Este tema me llamo la atencion ya que está tendencia de arte se carácteriza por el uso de imágenes y conceptos de la cultura en masas de combinación con el arte plástico.

El Pop Art refleja el estado de ánimo de una época, caracterizada por una estabilización política y económica después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de lo cual se generaron nuevos hábitos y conductas de consumo. El cambio de vida de la sociedad, el bombardeo de información por parte de los medios masivos de comunicación, la euforia por las nuevas tecnologías, la nueva cultura de consumo y el culto a las estrellas del momento fueron punto de partida para el desarrollo de un arte diferente, nuevo, que no es más que el reflejo del espíritu de una época. Es por estos factores que el nombre alude al “arte popular”, el arte del pueblo. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes, el empleo de imágenes de la cultura popular, los cómics, el dinero son algunos de los elementos de los que se sirve, acompañados muchas veces de la ironía y combinándolos o separándolos de su contexto original.

El Pop Art ha sido siempre considerado entonces una crítica a esa nueva sociedad, la sociedad de masas, la sociedad consumista. Es eso que el movimiento basa sus temas pictóricos en la vida cotidiana, intentando reflejar las realidades de una época, su estado de ánimo, sus cambios en la conducta, mostrando el cambio cultural producido. Los temas, las formas y los medios del arte Pop no son más que el reflejo de los rasgos esenciales de los años sesenta. Éstos incluyen, a modo de ejemplo, el culto a las estrellas de Hollywood (en donde el espectador se transforma en un ser anónimo e insignificante), el dinero (representación de que todo tiene un precio, la llave que permitía acceder y disponer de las cosas, remedio universal contra las frustraciones), el nacionalismo, el consumismo en general: botellas de gaseosa, paquetes de cigarrillos o envoltorios de chicle son algunos de los objetos a menudo representados. Mediante la sensación sugestiva de los medios de masas, las realidades sociales y consecuencias de éstas para el ser humano, el Pop Art reacciona ante la despersonalización de la sociedad, con instrumentos estilísticos impersonales, con cuadros más objetivos y muchas veces de difícil comprensión.

En mi opinión pienso que fue el movimiento artístico de mayor cercanía con el pueblo, por reflejar sus ideas y mostrar elementos que ellos asimilaron y aceptaron por resultarles cotidianos. Y quizás a eso se debe la razón de su éxito a pesar de que el público pudo haber interpretado mal las ironías y la crítica hacia ellos mismos, aceptaron con gusto esas llamativas y particulares obras.

Debemos aclarar, sin embargo, que estas corrientes surgidas en el siglo XX fueron el resultado de las tendencias arrastradas desde el siglo XIX. De hecho, se consideran como puntos de partida a estos nuevos tipos de expresión, el Impresionismo y el Postimpresionismo. Desde los cuales surgieron las vanguardias más destacadas del siglo siguiente: el fauvismo, el futurismo, el expresionismo, el dadaísmo, el cubismo, el constructivismo, el surrealismo y el neoplasticismo.

En este punto hay que decir que entre todas estas corrientes existen elementos comunes en cuanto a la ideología; en ese deseo de innovar y de darle al arte un espacio diferente al que había tenido hasta entonces. No obstante, se diferencia en los fines estéticos que cada tendencia perseguía.

El arte contemporáneo se caracterizó por negar el pasado y buscar una forma de expresión que rompiera con todo lo planteado hasta el momento, ya no se dedican a imitar a los grandes referentes del arte, sino a crear nuevas formas, a interpretar partiendo desde un espacio virgen donde el color y la forma adquirieron cualidades potentes.

Lo que podemos decir es que aunque es importante señalar que las cosas no fueron tan así porque no se puede crear algo absolutamente desligado de lo conocido: construimos en base a lo que ya conocemos, corregimos, rehacemos, siempre desde lo conocido.

Estas corrientes estéticas surgieron antes de la Segunda Guerra Mundial y, después de ella, hubo un nuevo resurgimiento del arte contemporáneo, encabezado por nuevas corrientes entre las que cabe destacar el coleccionismo, gracias al cual el arte se convierte en una obra para la especulación. También se ubica en esta época el Expresionismo Abstracto que cerraría con las corrientes ligadas al Modernismo. A mediados de siglo hay un nuevo cambio en la sociedad que se verá reflejado en una nueva forma de crear, la Posmodernidad.

TENDENCIAS

*MINMALISTA

*KITSCH

*PERFORMANCE

*POSTMODERNISMO

*POP ART

Impresionismo
En la pintura, el artista recurrió a facultades extravisuales como la imaginación, o recursos-técnicos como la perspectiva. La imaginación implicó transformar los objetos del
mundo visible para crear espacios ideales ocupados por formas de la misma índole. En el caso de los impresionistas, el recurso fue ver el mundo de manera subjetiva, con base
en las experiencias directas otorgadas por los sentidos. Las percepciones dependían delas variaciones de la luz o de los puntos de vista; cada momento suponía
una impresión diferente y variable. Por lo tanto, para cada impresión se creaba una obra diferente.
Los impresionistas no recurrieron al claroscuro, purificaron el color en sus obras de manera que pudiera vibrar con su intensidad natural. Se interesaron en la yuxtaposición del color, que al fusionarse generaba un efecto
animado tratando de imitar al mismo acto perceptivo. Por ejemplo, cuan-
do uno observa un jardín al atardecer se da cuenta de cómo las variaciones
de la luz, el viento, le dan vida al paisaje, estos instantes son los que los
impresionistas se preocuparon por captar.

Postimpresionismo. El movimiento abarca distintos estilos que respondían a las inquietudes
personales de creación plástica de diferentes artistas, e intenta definirlos
como una continuación del impresionismo, pero al mismo tiempo como un
rechazo a sus imitaciones.
Los artistas postimpresionistas manejaron colores vivos, trazos vigorosos
y firmes, así como pinceladas distinguibles. Plasmaron en su obra emoción
y expresión, presentando una visión más subjetiva del mundo. Estaban en
contra de reflejar fielmente la naturaleza “auténtica”, y fundamentaron su
creación plástica en el manejo del color utilizado por sus predecesores.

Modernismo
El término alude al espíritu renovador del fin de siglo, a la conciencia de cambio de una
nueva época y que cambiaría también otras ramas de la cultura, como la literatura, la
filosofía, la religión y, por supuesto, a la sociedad.
Tuvo su origen en una exposición realizada en la galería parisina La maison del Art Nou-
veau, de donde se desprendió este primer denominativo, arte nuevo, que adoptaría dis-
tintos nombres de acuerdo con el país: Art Nouveau en Francia y Bélgica; Modern Style,
en Inglaterra; Jugendstil, en Alemania; Sezession en Austria y Modernismo en España.
El cartel litográfico y la ilustración basados en la concepción bidimensional o en
la simple combinación de tintas y líneas decorativas resaltaron el espíritu del mo-
mento. Un ejemplo son las obras del pintor Henri de Toulouse-Lautrec.

Simbolismo
Surgió a mediados del siglo XIX y perduró cerca de 60 años. Se difundió en ciudades
como Glasgow, Estocolmo, Danzig, Lodz, Trieste, Florencia y Barcelona. El nombre le fue
asignado por Jean Moréas, quien en 1888 lanzó el Manifiesto del Simbolismo. Fue, más
que un movimiento artístico, una expresión del espíritu. En esa época, la nueva sociedad industrial, que necesitaba una gran cantidad de trabajadores, desencadenó una migra-
ción masiva del campo a la ciudad. El simbolismo representó una reacción contra el naturalismo y el realismo con el lema
“revestir la idea con formas sensibles y perceptibles”. Se caracterizó por defender la
preponderancia de la experiencia intuitiva sobre la realidad objetiva: lo importante, a
su juicio, no es lo que se ve, ni siquiera cómo se ve, sino cómo se siente, por lo que
“cualquier emoción puede ser tema de pintura”

Fauvismo
El apelativo fauve significa fiera, y así se denominó esta corriente; el tér-
mino no fue aceptado por los protagonistas de la primera propuesta,
pero se generalizó para identificar los intereses de una serie de pintores
que utilizaron el color directo como herramienta expresiva.
El fauvismo rechazó la armonía del color del impresionismo y admiró los
colores brillantes y motivos lineales de Van Gogh. En sus composiciones,
de color puro, se propuso crear realidades frescas y expresar sentimien-
tos, más que realidades.
Los exponentes de esta corriente están representados por Henri Matisse,
quien planteó que la expresión y la decoración son una misma cosa, así
como por Georges Rouault, Albert Marquet, Charles Camoin, Henri Char-
les Manguin y Jean Puy.

Expresionismo
El expresionismo abordó desde el conflicto los temas de la humanidad: el
sentimiento religioso, las relaciones humanas, la impotencia ante la muerte y
la enfermedad, el sexo y la relación del hombre con la naturaleza, entre otros. En términos más amplios, expresó el temor del hombre a su propia naturaleza, así como
el miedo a afrontar un mundo moderno cada vez más alienado y reservado
en la expresión de sus sentimientos y personalidad. Este autor fue uno de los
primeros expresionistas genuinos, y su pintura ha sido modelo para muchos
movimientos artísticos desencadenados en el siglo XX.

Cubismo
El movimiento fue desarrollado inicialmente por Georges Braque y Pablo Pi-
casso, en alusión al uso de la múltiple perspectiva con la que Cézanne trabajó
la naturaleza muerta y los paisajes. Cuestionó la pintura occidental desde el
renacimiento, es decir, el tratamiento del objeto y su relación con el espacio,
proponiendo la construcción con varios puntos de vista. En este sentido, los
objetos dejaron de poseer una forma definida y fija para componerse de va-
rios planos y puntos.
Las obras de Pablo Picasso se consideran piedra angular del arte moderno y
pioneras del cubismo. Su círculo de artistas quedó impactado ante la revo-
lucionaria representación de la figura humana con planos muy marcados y
volúmenes desencajados.

Surrealismo
Con el objetivo de evadir la intervención de la razón y encontrar posibilidades estéticas
que se acercaran más a universos alternativos, los pintores surrealistas crearon un mo-
vimiento que ambicionó representar el inconsciente.
El Manifiesto surrealista, firmado por André Breton, planteó el rechazo a un sistema so-
cial caduco por las guerras. Ya no era posible un mundo mejor para el hombre. El surrea-
lismo ofreció una alternativa a los lenguajes convencionales. Sus seguidores inundaron
la intimidad del ser humano de un sentido menos pragmático e hicieron aflorar expre-
siones reprimidas.
La Segunda Guerra Mundial forzó el éxodo generalizado de los artistas que se encontra-
ban en Francia hacia el continente americano; entre ellos Breton, Marcel Duchamp, An-
dré Masson, Roberto Matta, Yves Tanguy y Max Ernst. Durante la década de 1940, Nueva
York vivió una gran efervescencia surrealista. En México destacaron Wolfgang Paalen,
Leonora Carrington y Remedios Varo; en República Dominicana, Eugenio Fernández
Granell, y en Cuba, Wilfredo Lam.

En la actualidad el arte renacentista es uno de los más destacados, no solo por los artistas famosos que aparecen en esa época sino también por las obras de arte que nos dejaron. Por eso, es posible que este sea uno de los tipos de arte más conocidos de hoy en día.

La arquitectura del Renacimiento

En la Arquitectura del Renacimiento, vuelven a representarse las estructuras romanas y griegas, sus elementos principales son:

-La preocupación por la perfección y el equilibrio.

-Se vuelven a originar las columnas y las pilastras.

-Se construyeron los  arcos de medio punto.

-Se crearon las  cúpulas, que fueron  decoradas por casetones.

-Las bóvedas de cañón también llevaban los casetones.

-Surge de nuevo el frontón griego.

Características de la  Escultura en el Renacimiento

Las características principales que se pueden observar en la escultura del Renacimiento son:

-El sumo interés  por las proporciones.

-La búsqueda de  una nueva visión: La belleza que se quiso siempre conseguir  en el cuerpo desnudo.

-Surgió  un nuevo interés: representar las pasiones ocultas.

-Se le dio un nuevo valor al cuerpo humano.

-Igualmente, se le otorgó  un nuevo valor a la escultura ecuestre.

-Se vuelven a crear temas mitológicos y profanos.

-Los artistas destacados de la escultura del Renacimiento son: Ghibarti, Miguel Ángel y Donatello.

La Pintura en el Renacimiento

En la pintura del Renacimiento  no veremos ninguna referencia de la pintura romana ya que comienza desde cero. Sus características principales son:

-Se crean obras tridimensionales, es decir, volumen, color y luz.

-La pintura Tiene una visión lineal y aérea.

-La técnica más usada fue la pintura al óleo.

-Se solían  representar temas humanos, mitológicos y religioso.

-Se introdujeron los  fondos arquitectónicos.

-Los artistas destacados en la pintura del Renacimiento  son: Frangelico, Botticelli, Rafael, Alberto Durero y Doménico Theotocopoulos más conocido como el Greco.

El arte medieval está asociado con la religión, una vez que en ese periodo la Iglesia tenía gran poder e influencia en la vida de las personas. Así, el teocentrismo (Dios como centro del mundo) fue la principal característica de la cultura medieval. La Edad Media comenzó con la caída del Imperio Romano de Occidente en el 476. Su extremo fue marcado con la toma de Constantinopla por los turcos en 1453. En la Edad Media (o medieval) pocas personas sabían leer. Esta actividad era exclusiva de los miembros de la Iglesia (sacerdotes) y los nobles. Por lo tanto, el arte religioso de la Edad Media tuvo entre sus funciones llevar al pueblo la religión, es decir, tenía un carácter didáctico. La principal organización político-administrativa de este período se basó en el sistema feudal. Existían grandes extensiones de tierra (feudos), con una movilidad social inexistente. La sociedad feudal era exclusivamente rural y autosuficiente. La estructura social era estamental y fija, dividida en rey, clero, nobleza y pueblo. Fue en este contexto que el arte medieval se desarrolló en diversos campos como la arquitectura, la pintura, la música, la escultura y la literatura. Dos estilos eran frecuentes durante este período: el estilo románico y el estilo gótico.

El estilo románico se desarrolló durante el período llamado Alta Edad Media (entre los siglos V y IX). En la arquitectura, tenemos castillos, iglesias y monasterios que revelan el estilo más ‘pesado’ en relación con el arte gótico. Con pocas ventanas en estos lugares la entrada de la luz era escasa. Es decir, en la arquitectura románica de los edificios de las paredes eran gruesos, los cuales revelaban el propósito principal de defensa. Durante este período prevalecieron las bóvedas y los arcos de medio punto. La horizontalidad de los edificios era una característica importante de este período. Los planos arquitectónicos se construyeron en la forma de la cruz y la horizontalidad del edificio era evidente. En la pintura y la escultura, los temas se centraron principalmente en la religión. Estas manifestaciones artísticas fueron encontradas en iglesias y castillos, con el fin de embellecer y educar a las personas sobre los temas de religiosidad. En cuanto al estilo gótico, la decoración románica era más simple.

El arte gótico es posterior al arte románico, y se desarrolló en el período llamado la Baja Edad Media (siglo X a siglo XV). A diferencia del arte románico, el gótico reveló ligereza y apertura. Es decir, si comparamos la arquitectura de los dos periodos, observamos que en el arte gótico, los edificios no tenían paredes tan gruesas. Además, las entradas (ya sea en iglesias o monasterios) ya incluían más aberturas de ventanas y puertas. Debemos recordar que las ventanas del arte románico eran muy estrechas, mientras en el arte gótico las ventanas ya son mayores y en mayor número, permitiendo así, la entrada de la luz. En ese periodo prevalecieron los arcos de tipo apuntado, ojival, tudor, conopial y lobulado. Incluso en la arquitectura, el arte gótico utilizó los vitrales para facilitar la entrada de la luz. La mayoría de ellos tenían composiciones artísticas con temas religiosos. Una de las características más importantes de la arquitectura gótica la fue verticalidad. Es decir, las construcciones eran muy altas, las cuales revelan la fuerza de la religión. Cuanto más alto sea, más cerca de Dios estaban. Así como el arte románico, las pinturas y esculturas góticas tenían como tema principal la religión. Los vitrales eran muy comunes en ese período. Estaban hechos de vidrio y llenos de colores. Generalmente representaban temas religiosos, sin embargo, hay aquellos en formato redondeado, tal como los rosetones y mosaicos

Los artistas griegos buscaron siempre en sus obras la belleza y la proporción. Los griegos siempre tuvieron presente a sus dioses pero es la figura humana el centro de su creación artística. El arte romano era funcional, fueron grandes ingenieros. Su estilo fue una adaptación del arte griego, pero haciendo uso de nuevos elementos, como el arco, bóveda y la cúpula.

Lee en este texto de Platón el ideal del arte griego:

“El placer no es el primero ni el segundo de los bienes, sino que el primero de los bienes consiste en la mesura, en el justo medio, en lo conveniente y en todas las demás cualidades análogas a esas, que debemos considerar como dotadas de una naturaleza inmutable.

SÓCRATES.- Que el segundo de los bienes es la proporción, lo hermoso, lo perfecto, lo que es por sí mismo suficiente, y todo lo que pertenece a este género.

Ahora vas a leer este otro sobre el arte romano:

“Del arte griego, que parece un culto desinteresado tributado a las ideas de armonía y de abstracta belleza, pasamos a una arquitectura esencialmente utilitaria. En el sentir romano, la arquitectura se convierte en el órgano de una autoridad todopoderosa, para quien la construcción de los edificios públicos, es un medio de dominación. Los romanos construyen para asimilarse las naciones sometidas, plegándolas a las costumbres de esclavitud. La arquitectura griega se resume en el templo, la romana en las termas y en los anfiteatros.”

Tuvo un periodo preislamico basado en el mensaje de profetas. El arte persa  desarrollado en la zona de influencia cultural persa desde la Prehistoria hasta el año 1925. Ha tenido destacados ejemplos en muchos medios, incluyendo la arquitectura, pintura, tejido, cerámica, caligrafía, la metalurgia, la escultura y la mampostería.

La cultura persa asimiló las aportaciones de las culturas antiguas, seleccionándolas y transformándolas conforme a una estética occidental. Hay dos épocas fundamentales, la preislámica y la posterior. Los monumentos persas de época antigua destacan por concentrarse en la figura humana (en su mayor parte masculina, y a menudo de la realeza) y animales. Tras la islamización, siguió poniendo gran énfasis en las figuras, más que el arte islámico de otras zonas, aunque por razones religiosas generalmente evitan grandes ejemplos, especialmente en escultura.

Sus técnicas fueron muy sofisticadas que permitieron el florecimiento adecuado y su desarrollo como imperio.

La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a investigadores ya que está llena de misterios y mitos.

Su vida estaba precisa por el Río Nilo, y sus costumbres y tradiciones giraban en torno a él , existió la especialización en las artes utilitarias ,se desarrollo en virtud de la religión fundamentalmente, y estába vinculado el faraón. No es por tanto un arte autónomo.

El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es muy semejante y monótono, tan homogéneo. Es un arte estereotipado en el que se valora más la precisión del acabado que la originalidad. Además, tienen un gran carácter simbólico y mágico.

Hace referencia a las expresiones artísticas que se conservan de las culturas que florecieron en las cuencas de los ríos Tigris y Éufrates.El desarrollo de las técnicas artísticas y artesanales, permitió la construcción de estructuras de piedra que se situaban dentro de los templos con ellos se pretendía capturar rasgos faciales, vestimenta .

Su arte se basaba principalmente en la figura humana mezclada con el estilo,la abstracción y la fidelidad a la realidad.Incidio en las tradiciones artísticas , templos y palacios, se adornaron con impresionantes trabajos de metal y piedras preciosas.